Les réalisateurs Sophy Romvari, Beth de Araújo, Josie Rourke, Steph Green et Kenna Harris ont discuté de leurs approches de la réalisation et des aspects du métier qu’ils aimeraient mieux comprendre lors de la table ronde « Behind Their Lens » d’IndieWire au SCAD Savannah Film Festival. La conversation s’est concentrée sur l’évolution constante de la technologie cinématographique et de la collaboration créative.
Rourke, dont les longs métrages comprennent notamment le drame historique « Mary Queen of Scots », a parlé de la difficulté de communiquer avec les équipes chargées des effets visuels. Alors qu’elle travaillait sur des châteaux numériques intégrés à des paysages écossais, elle a senti qu’une des conceptions ne paraissait pas convaincante sur le plan structurel, mais avait besoin d’aide pour identifier le problème. Un ami architecte a examiné les éléments du château et confirmé que la structure imaginée n’aurait pas tenu debout.
Cette expérience a amené Rourke à réfléchir plus profondément à la relation entre les réalisateurs et les artistes des effets visuels. Elle a déclaré que les réalisateurs savent peut-être comment réduire les coûts dans des domaines tels que les costumes, les décors, les scénarios ou les calendriers, mais qu’ils ne savent pas forcément discuter des budgets d’effets visuels avec le même degré de pragmatisme et de créativité.
Harris, artiste storyboard ayant une vaste expérience de l’animation numérique, a déclaré souhaiter mieux comprendre la technologie de simulation. Harris s’intéresse notamment à la manière dont les vêtements numériques peuvent bouger naturellement, des plis autour d’un coude à la façon dont une capuche repose sur les épaules d’un personnage.
Bien que des outils fondés sur la physique soient utilisés pour créer ces effets, Harris a déclaré qu’il restait difficile d’obtenir des vêtements convaincants à l’échelle d’un long métrage. Harris a opposé cette difficulté à la manière expressive dont les artistes peuvent concevoir les vêtements dans les œuvres en 2D et a déclaré qu’une compréhension technique plus approfondie de la simulation pourrait aider à communiquer plus efficacement avec les collaborateurs.
Romvari a abordé la conception des costumes du point de vue de l’action réelle. « Blue Heron » était son premier long métrage à faire intervenir un costumier, et elle a déclaré que cette collaboration lui avait montré à quel point les vêtements pouvaient être essentiels à la continuité, à l’esthétique ainsi qu’à la sécurité et au confort des acteurs.
Le cadre historique du film, qui comprend des sections situées à la fin des années 1990 et d’autres dans une période plus contemporaine, utilise les changements de vêtements pour communiquer les évolutions de l’identité et de l’état émotionnel des personnages. Romvari a également souligné l’ampleur des recherches et de la préparation apportées par les créateurs de costumes, estimant que leur travail est souvent sous-évalué malgré son importance pour ce que le public voit à l’écran.
Sources: IndieWire.