Os diretores Sophy Romvari, Beth de Araújo, Josie Rourke, Steph Green e Kenna Harris discutiram suas abordagens à produção cinematográfica e as áreas do ofício que gostariam de compreender melhor durante o painel “Behind Their Lens”, da IndieWire, no SCAD Savannah Film Festival. A conversa se concentrou em como a tecnologia cinematográfica e a colaboração criativa continuam evoluindo.
Rourke, cujo trabalho em longas-metragens incluiu o drama histórico “Mary Queen of Scots”, falou sobre a dificuldade de se comunicar com equipes de efeitos visuais. Enquanto trabalhava em castelos digitais inseridos em paisagens escocesas, ela percebeu que um dos designs não parecia estruturalmente convincente, mas precisava de ajuda para identificar o problema. Um amigo arquiteto analisou os elementos do castelo e confirmou que a estrutura imaginada não teria se sustentado.
Essa experiência levou Rourke a refletir mais profundamente sobre a relação entre diretores e artistas de efeitos visuais. Ela disse que os diretores podem saber como reduzir custos em áreas como figurinos, cenários, roteiros ou cronogramas, mas talvez não saibam discutir os orçamentos de efeitos visuais de maneira igualmente prática e criativa.
Harris, artista de storyboard com ampla experiência em animação digital, disse que gostaria de compreender melhor a tecnologia de simulação. Em particular, Harris está interessado em como roupas digitais podem se mover naturalmente, desde as dobras ao redor de um cotovelo até a maneira como um capuz repousa sobre os ombros de um personagem.
Embora ferramentas baseadas em física sejam usadas para criar esses efeitos, Harris disse que obter roupas convincentes continua sendo difícil na escala de um longa-metragem. Harris comparou esse desafio à maneira expressiva como os artistas podem criar roupas em trabalhos 2D e afirmou que uma compreensão técnica mais profunda da simulação poderia ajudá-lo a se comunicar com mais eficácia com os colaboradores.
Romvari discutiu o design de figurino sob uma perspectiva de ação ao vivo. “Blue Heron” foi seu primeiro longa-metragem a contar com um figurinista, e ela disse que a colaboração lhe mostrou como as roupas podem ser essenciais para a continuidade, a estética e a segurança e o conforto dos atores.
O cenário de época do filme, que inclui trechos ambientados no fim dos anos 1990 e outros em uma linha do tempo mais contemporânea, usa mudanças nas roupas para comunicar transformações nas identidades e nos estados emocionais dos personagens. Romvari também enfatizou a quantidade de pesquisa e preparação que os figurinistas oferecem, argumentando que seu trabalho costuma ser subvalorizado apesar de sua importância para aquilo que o público vê na tela.
Fontes: IndieWire.