Regisseurinnen und Regisseure teilen die filmischen Fähigkeiten, die sie meistern möchten

Die Regisseurinnen und Regisseure Sophy Romvari, Beth de Araújo, Josie Rourke, Steph Green und Kenna Harris sprachen während des „Behind Their Lens“-Panels von IndieWire beim SCAD Savannah Film Festival über ihre Arbeitsweisen beim Filmemachen und über die Bereiche des Handwerks, die sie besser verstehen möchten. Im Mittelpunkt des Gesprächs stand die Frage, wie sich Filmtechnologie und kreative Zusammenarbeit weiterentwickeln.

Rourke, zu deren Spielfilmarbeiten das historische Drama „Mary Queen of Scots“ gehörte, sprach über die Schwierigkeit, sich mit Teams für visuelle Effekte zu verständigen. Während sie an digitalen Burgen arbeitete, die in schottische Landschaften eingefügt wurden, hatte sie das Gefühl, dass ein Entwurf strukturell nicht überzeugend aussah, brauchte jedoch Hilfe dabei, das Problem zu identifizieren. Ein befreundeter Architekt prüfte die Burg-Assets und bestätigte, dass das vorgestellte Bauwerk nicht standgehalten hätte.

Diese Erfahrung brachte Rourke dazu, intensiver über die Beziehung zwischen Regisseurinnen und Regisseuren sowie Künstlerinnen und Künstlern für visuelle Effekte nachzudenken. Sie sagte, Regisseurinnen und Regisseure wüssten möglicherweise, wie sich Kosten in Bereichen wie Kostümen, Kulissen, Drehbüchern oder Zeitplänen senken ließen, wüssten aber vielleicht nicht, wie sie Budgets für visuelle Effekte in gleichermaßen praktischen und kreativen Begriffen besprechen könnten.

Harris, eine Story-Künstlerin beziehungsweise ein Story-Künstler mit umfangreicher Erfahrung in der digitalen Animation, sagte, sie möchten die Simulationstechnologie gründlicher verstehen. Besonders interessiert Harris, wie sich digitale Kleidung natürlich bewegen kann – von Falten um einen Ellbogen bis hin zur Art und Weise, wie eine Kapuze auf den Schultern einer Figur liegt.

Obwohl physikbasierte Werkzeuge zur Erzeugung dieser Effekte eingesetzt werden, sagte Harris, bleibe es auf der Ebene von Spielfilmen schwierig, überzeugende Kleidung zu schaffen. Harris stellte diese Herausforderung der ausdrucksstarken Art gegenüber, wie Künstlerinnen und Künstler Kleidung in 2D-Arbeiten gestalten können, und sagte, ein tieferes technisches Verständnis von Simulationen könnte dabei helfen, effektiver mit den Mitarbeitenden zusammenzuarbeiten.

Romvari sprach aus der Perspektive des Realfilms über Kostümdesign. „Blue Heron“ war ihr erster Spielfilm, an dem eine Kostümdesignerin oder ein Kostümdesigner beteiligt war, und sie sagte, die Zusammenarbeit habe ihr gezeigt, wie entscheidend Kleidung für Kontinuität, Ästhetik sowie die Sicherheit und den Komfort der Schauspielerinnen und Schauspieler sein kann.

Der zeitgeschichtliche Rahmen des Films, der sowohl Abschnitte umfasst, die in den späten 1990er-Jahren spielen, als auch andere in einer zeitgenössischeren Zeitlinie, nutzt Veränderungen bei der Kleidung, um Wandlungen der Identitäten und emotionalen Zustände der Figuren zu vermitteln. Romvari betonte außerdem, wie viel Recherche und Vorbereitung Kostümdesignerinnen und Kostümdesigner beitragen, und argumentierte, dass ihre Arbeit trotz ihrer Bedeutung für das, was das Publikum auf der Leinwand sieht, oft unterschätzt wird.

Quellen: IndieWire.